Hugo Fontela: “Pinto el sentimiento de lo que ven mis ojos”

diciembre 15, 2009

El pintor asturiano Hugo Fontela dejó su tierra con solo 19 años para perderse en la inmensa Nueva York. Su difícil pero ilusionante propósito era, y es, vivir del arte.  Fue Premio BMW de Pintura en el 2005. Artista precoz de carácter extrovertido, muestra en sus obras una fuerte personalidad pictórica y en sus palabras, un desbordante afán de superación.

Hugo Fontela ante uno de sus cuadros // eleconomista.es

Actualmente, expone en el Instituto Cervantes de Chicago una colección desarrollada entre la costa del Golfo de México y su estudio neoyorquino de Soho. Hugo Fontela deja atrás su pintura urbana fruto de las experiencias vividas en la gran capital del arte. Su nueva obra, más fresca y naturalista, se puede contemplar hasta el 2 de enero.

P:Una nueva exposición siempre es señal de reconocimiento, ¿qué sientes cada vez que alguien apuesta por tu obra?

Siento un estímulo tremendo para seguir trabajando. Para seguir luchando  por lo que más me gusta ,que es la pintura, y poder vivir de ello.

P: ¿Y qué es lo más bello de vivir de la pintura?

Lo más bonito es poder dedicar tu tiempo y tu vida a algo que te encanta y con lo que disfrutas muchísimo. Pero, sobre todo, lo que más me llena de la pintura es hacer disfrutar con mi arte a los demás.

P: No es fácil triunfar en este mundo, ¿Qué cualidades ha de reunir un pintor para convertirse en un clásico, para permanecer inmortal?

Sobre todo ser fiel a sí mismo. Crear sin renunciar a su sentir y su pensar.

P: A propósito de clásicos, ¿qué pintores te emocionan?

Me apasiona Bacon, por su brutalidad; Goya, por su mirada social y Velázquez por su finura.

P: ¿ Pintas lo que ves o lo que sientes?

Pinto el sentimiento de lo que ven mis ojos.

P: Dicen que un pintor, para serlo,  ha de ser bohemio. ¿ Puede un “moscón” ser bohemio?

Creo que el pintor es bohemio por naturaleza, ya que el arte no tiene horario ni fecha en el calendario.

P: Picasso amaba a su musa, la pintaba y la destruía espiritualmente. ¿Qué hay de mito o de verdad en las “musas” del artista?

El artista necesita como todo hombre, una mujer a su lado. Y cuando dispones de una musa, la creatividad, fruto de la felicidad, fluye mas rápidamente.

P: ¿ Tienes una musa en cada puerto o eres fiel a una sola?

Las musas una por una.

P: Volvamos un poco a tus inicios. Fuiste un adolescente emprendedor, ¿qué buscabas en Nueva York?

Sobre todo aprender y  desarrollarme como persona y como artista.

P: Has declarado en alguna ocasión que te fascina la dimensión de Nueva York, ¿qué harás si algún día llega a asustarte?

Pues probablemente me marcharía, aunque de momento esta idea está lejos.

P: ¿ Qué proyectos tienes en camino? ¿ Seguirás con los grabados?

Seguir creando con libertad: pinturas, papeles, grabados… Y seguir desarrollando mi carrera dentro y fuera de España.

P: En el mundo del arte, como en muchos otros, son importantes las relaciones personales. ¿Cómo influye la red en esto? ¿Utilizas facebook, blogs y otras herramientas similares para promocionar tu obra?

Pues sí, utilizo la Web, a través de mi página personal y de Facebook, para dar a conocer mi obra y que llegue a un número mayor de personas.

Noticias relacionadas con Hugo Fontela: entrevista con La Nueva España, entrevista con La Voz de Asturias, la inspiración japonesa.


La historia de España a través del pincel

diciembre 2, 2009

Historia y arte siempre han seguido caminos paralelos. Son numerosas las obras  impregnadas de tintes históricos que plasman la realidad que quiere expresar el artista. Y esto es una prueba tan fehaciente de lo que ocurrió en el pasado como la que aporta cualquier otro testimonio.

Por ello, el historiador Juan Pablo Fusi y el catedrático y crítico de arte Francisco Calvo Serraller han unido sus conocimientos en una obra titulada El espejo del tiempo. En ella se relata la historia de España a través de cincuenta pinturas desde la Edad Media hasta nuestros días. Uno redacta, el otro elige la obra que ilustra el texto; un tándem perfecto.

    Todas las obras seleccionadas están cargadas de matices y de simbolismo. Reflejan un momento determinante en la historia de nuestro país. Entre ellas encontramos La rendición de Breda, considerado por muchos el mejor cuadro de pintura histórica. Narra el digno y respetuoso encuentro entre el vencedor, Ambrosio Spinola, y el vencido, Justino de Nassau en el asedio de Breda.

" La rendición de Breda", Velázquez // elrelojdesol.com

    No podía faltar en esta recopilación una de las pinturas de guerra más conmovedora: el Guernica. Picaso captó el sentimiento de terror y sufrimiento y lo reflejó en el cuadro. Descompuso la realidad y volvió a componerla a su manera. Pero la expresión del dolor y del sufrimiento quedaron intactos.

"Guernica" (1937), de Pablo Picasso // pbs.org


Juan Gris: la realidad descompuesta en el cubismo

noviembre 25, 2009

El cubismo surgió de manera espontánea. Sus principales representantes, Picasso y Braque, no sabían que sus obras constituían la base de un nuevo movimiento pictórico. Y dentro de él, se encuadran algunos de los óleos de un maestro, más desconocido pero igual de relevante en la pintura cubista: Juan Gris.

" Casas de París", Juan Gris

José Victoriano González, así era el nombre real del artista, nació en Madrid. Antes de cumplir veinte años, se sintió atraído por el mundo bohemio de Montmatre y emigró a París. Allí conoció a quien sería su más directa influencia cubista: Pablo Picasso. Su primeros cuadros con matices cubistas datan de 1912, año en el que expone por primera vez en el Salón de los Independientes de París. Casas de París es un claro ejemplo de cómo Juan Gris comenzó a  jugar con el volumen y las formas. Si embargo, aún no se puede hablar de cubismo, sino de meros avances de este estilo artístico.

"El fumador"; Juan Gris

En 1913 comienza a ser representado por Henry Kahnweiler (inglés), galerista de Picasso y Braque. Ese mismo año el artista viaja a Céret, donde se reúne con Picasso.  En esta época pinta El fumador. Es un óleo cargado de colorido y luminosidad que refleja una realidad fragmentada. A primera vista, no se aprecia el detalle, pero si se observa con atención, pronto se advierten el ojo, la oreja, el cuello del fumador.. Contemplamos también el cigarro  (a la derecha sobre fondo verde) con el humo negro que asciende hasta el fin del lienzo.

"El desayuno", Juan Gris // 4.bp.blogspot.com

En 1915, época en la que atraviesa problemas económicos, pinta El desayuno. Gris recurre a una técnica estilística conocida como papier collé y reúne objetos de la vida cotidiana: un periódico, una  taza, una botella…Esta última aparece en el centro dividida en tres partes. El artista juega con los materiales y las superficies componiendo una realidad previamente descompuesta.


La pintura taurina llega al Museu Nacional d´Art

noviembre 18, 2009

El Museu Nacional d’Art de Catalunya ha adquirido el óleo Toros (caballos muertos) del barcelonés Ramón Casas. Es una de las pocas obras de temática taurina del pintor, más conocido por sus caricaturas y carteles. El centro ha pedido un préstamo para asumir los 410.000 euros que ha costado la obra, adquirida en la galería French & Company de Nueva York.

"Toros (caballos muertos)", Ramón Casas // elpaís.com

Toros (caballos muertos) fue localizada por Maite Ocaña, directora del MNAC, en la feria de arte antiguo de Maastrich, la más valorada en Europa. Ocaña manifestó su alegría por contar con una obra tan exclusiva como esta, que representa un tema  tan olvidado en el museo  como es el mundo taurino. Además, señaló que su elevado coste supone un esfuerzo para el centro pero que ha merecido la pena: “Después de tantos años de penuria pensando que no podíamos adquirir, ahora nos estamos posicionando en el mercado”, añadió.

Casas estudió el trabajo de Francisco de Goya sobre el mundo taurino y mejoró su técnica en París, según manifestó la subdirectora de colecciones del museo Cristina Mendoza. La pintura  representa  una plaza de toros en plena acción con todos sus elementos: dos caballos muertos, el torero acobardado detrás de otro caballo y en el centro, bravo y desafiante, el toro. Casas, promotor del modernismo catalán, pintó este cuadro en 1886 cuando tenía 20 años. Si bien no fue uno de sus temas más recurrentes, le gustaba por su riqueza visual.

La pintura se presentará al público en la exposición Invitados de honor. Exposición conmemorativa del 75 aniversario del Mnac, que se inaugurará el 1 de diciembre. En ella se reunirán pinturas, esculturas y obra gráfica, procedentes de diferentes museos de Europa y de América, como el Museo de Bellas Artes de Valencia, el Museo del Louvre, el Museo de Cluny, el Museo de Orsay, el Centro  Georges Pompidou, el Museo de Bellas Artes de Montreal, el Guggenheim de Nueva York o el Museo del Prado.

Más información: biografía de Ramón Casas, sala de prensa Mnac, la pintura de Ramón Casas.


La verdad de la luz en las playas de Sorolla

noviembre 11, 2009

Se dice de Sorolla que es un genio de la luz. Se dice que supo captar la fugacidad del reflejo de un rayo de sol al romper una ola. Se dice que su obsesión por los efectos luminosos llegó hasta tal punto que creyó fracasar: “Los pintores no pueden nunca reproducir la luz del sol como es en realidad…Yo solo consigo acercarme a su verdad”.

(Vídeo – 4:29 min)

Su gran logro fue también su principal crítica. Valle –Inclán llega a llamarlo, junto a otros pintores de la escuela naturalista, “bárbaros luminosos”. Crítica debida a una manera optimista de ver España (la luz vence a la sombra)  muy contraria a la óptica amarga de los escritores del 98.

Artista de desbordante fuerza creativa, revisó bajo una nueva luz la obra de Velázquez. De Manet heredó la técnica del “claro sobre el claro” , que le abrió las puertas hacia los colores luminosos como blancos, azules, rosas, violetas y rojos. A diferencia de los impresionistas, Sorolla nunca renegó del negro. La escuela naturalista donde suele enmarcarse al artista quería pintar escenas reales y del mundo cotidiano, donde el efecto de la presencia inmediata era lo más apreciado.

Otro rasgo que lo diferencia de los impresionistas es que Sorolla nunca olvidó el tema. Así, desde 1892 hasta 1900, desarrolla una etapa de una calidad indiscutible, en la que se deja orientar hacia el realismo social. Influído por su paisano, el escritor Blasco Ibáñez, desarrolla pinturas de contenido moral.

Pero su genio, su don, culmina (dentro de esta etapa realista) con Triste herencia. Ejecutado en 1899, representa el baño de un grupo de niños desvalidos, guiados por un hermano de la Orden de San Juan de Dios. En plena playa,  el sol brillando en su piel desnuda y mojada, proporciona una luz que casi relega a un segundo plano la temática social de la obra.

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"Triste herencia" (1899), Joaquín Sorolla // img10.imageshack.us

Pero en este lienzo, su pincel captó mucho más que la luz, captó la sensibilidad de los niños; una tristeza confundida con la alegría momentánea de gozar del mar. El observador no puede mantenerse ajeno a la pintura, está dentro de ella, tan unido, tan real… Es como si el griterío de los niños sobrepasara los límites de la creación artística para penetrar en nuestro oído. Los sientes, lo oyes, cobran forma, color e incluso personalidad. Despiertan tanta ternura, tantas buenas vibraciones a pesar de la dureza del cuadro, que uno no se cansa de mirarlo. Y en cada golpe de vista se descubren nuevas emociones.

Triste herencia dista mucho en cuanto a contenido de las obras posteriores de Sorolla. Cuando cesa su etapa de crítica social, cambia radicalmente su concepción de la pintura. El protagonismo lo adquiere ahora la luz. Es en este punto cuando empieza a ser criticado por sus contemporáneos, muchos de los cuales preferían la visión de otros pintores como Zuloaga. En sus nuevos óleos, el artista olvida la crítica a la realidad española. Muestra niños sanos jugando o nadando a orillas del mar bajo la mirada incesante de sus madres. De esta época son lienzos como Corriendo por la playa o Niños en el mar. Playa de Valencia, ambos de 1908.

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"Corriendo por la playa" (1908), Joaquín Sorolla // tumuseo.com

La captación de lo fugaz, lo momentáneo, se convierte en una obsesión en Corriendo por la playa. La postura de los tres niños y el estudio de sus cuerpos en movimiento revela la intención de su autor: plasmar velocidad, dinamismo, vibración…

Naturalidad y espontaneidad son dos claves para entender las obras de este maestro. De un estilo libre, dueño de un pincel prodigioso, supo conjugar de forma excepcional arte y realidad en un frágil lienzo.

Más información: Museo Sorolla; análisis de alguna de sus obras más emblemáticas; El Canto del cisne de la pintura, por Francisco Calvo Serraller; biografía de Joaquín Sorolla.


La saturación de los museos

octubre 28, 2009

Compañías de bajo coste, ofertas 2×1 en hoteles…Viajar es ahora una afición bastante asequible. Cuando la gente se va de viaje le invaden las ansias por conocerlo todo. Y todo es todo. Preparan hasta el más mínimo detalle y procuran no salirse del plan para exprimir el tiempo al máximo. Si voy a París tengo que ver el Louvre (por aquello de tacharlo de la lista).

Museo del Louvre
Museo del Louvre // EFE

¿ Y qué tiene que ver esto con el arte? Pues que los museos y galerías comienzan a resentirse, no están preparados para albergar tantas visitas. El director del Louvre, Henri Loyrette está realizando un plan de expansión muy ambicioso. Como ha declarado: “Si la asistencia crece al ritmo con el que lo ha hecho hasta ahora, dentro de cinco años 10.000 de visitantes atestarán una entrada diseñada para menos de la mitad”.

    El problema, como señalaba al principio, no es que a la gente que haya entrado un ataque repentino de interés por la cultura pictórica, más bien, se sienten obligados a visitar los lugares más emblemáticos de las ciudades. Algo totalmente comprensible. Y prueba de ello es que, en palabras de Loyrette, “ todo el mundo quiere ver las mismas tres cosas: la Gioconda, la Venus de Milo y la Victoria alada”. No hay duda de que la calidad pictórica de la Mona Lisa es abrumadora pero no lo son menos el resto de pinturas de la colección.

"Venus de Milo"
“Venus de Milo” // SWINGALIA.COM

    Sin ir más lejos, desde que se inauguró la ampliación del Prado, a finales de octubre de 2007, el museo ha visto incrementada de forma significativa su cifra de visitantes. Tras los 2.663.174 que se registraron hace dos años, la pinacoteca superó ese récord histórico con los 2.760.000 personas que acudieron a ella en 2008. Además, con la reordenación de las obras y las 25 salas inauguradas recientemente busca hacer frente a la demanda.

    A los amantes de la pintura; a quienes se han emocionado con obras como Triste herencia, de Joaquín Sorolla;  a quienes no soportan hacerse un hueco a base de codazos ante un cuadro que han esperado años para ver… A todos les aconsejo visitar pequeños museos y galerías. No encontrarás el Guernica, pero disfrutarás lo mismo o más. Al fin y al cabo,  el número de visitantes no determina el talento de un pintor ni la calidad de una obra.

 


El siglo XIX se hace hueco en el Prado

octubre 20, 2009

Los acontecimientos sucedidos durante el siglo XIX marcaron a los pintores de la época. Siglo cambiante donde los haya, testigo de obras que sellaron las bases de la pintura moderna, se merecía un hueco en el Museo Nacional del Prado. Recompensar a estas pinturas por el destierro sufrido en los últimos años era tarea difícil pero con doce salas dedicadas a pintores del XIX como Eduardo Rosales, Fortuny o Joaquín Sorolla, se empieza a saldar la deuda.

La apertura forma parte de un plan anunciado en marzo y denominado La colección: La otra ampliación que aprovecha el espacio ganado con la gran extensión arquitectónica diseñada por Rafael Moneo e inaugurada en el 2007. En total, las nuevas salas  del Museo del Prado albergarán 176 magníficas obras. Algunas de ellas nunca habían sido expuestas.

Vídeo: Miguel Zugaza da su visión sobre las nuevas salas (1 min 28 seg)

El recorrido por el siglo XIX ha sido inaugurado el pasado 6 de octubre y  está ordenado cronológicamente. La entrada cautiva al espectador. Una escultura de la reina Isabel de Braganza, fundadora del museo, nos recibe expectante. Y no muy lejos,el maestro  Goya, retratado por Vicente López, controla la sala desde un lugar privilegiado. Además, otras representaciones de la pintura neoclásica, como Coracero francés de José Madrazo o la Marquesa de Santa Cruz de Goya, captan al visitante e incitan  a continuar disfrutando del arte de la interminables paredes del Prado.

"Marquesa de Santa Cruz", de Franciso de Goya // museodelprado.es

Más adentrados en el XIX, con la llegada de los pintores románticos, se rompen las reglas de la pintura neoclásica y se desarrolla una nueva concepción del color, más viva y menos académica. Esta corriente romántica está representada en otra de las salas por Pérez Villaamil, Leonardo Alenza, Eugenio Lucas y Domínguez Bécquer, entre otros.

"Manada de toros junto a un río, al pie de un castillo", de Pérez Villaamil // museodelprado.es

Tras los románticos, Federico de Madrazo, da paso a otra sala dedicada al gran maestro Eduardo Rosales, presidida por su famoso lienzo Doña Isabel la Católica dictando su testamento. Y la reacción al romanticismo encuentra su máximo exponente  en este recorrido en los paisajes realistas de  Carlos de Haes. El naturalismo también encuentra su sitio en la pinacoteca. Pinazo y Muñoz Degraín nos descubren sus retratos y sus paisajes, tímida apertura hacia la modernidad.

Y el cierre por este paseo a lo largo del siglo XIX no podía ser mejor. Joaquín Sorolla nos despide con lienzos como Chicos en la playa y ¡Aún dicen que el pescado es caro! con los que demuestra que es mucho más que un genio de la luz.

"¡Aún dicen que el pescado es caro!", de Joaquín Sorolla // fractalmar.files.wordpress.com

Más información: Museo del Prado, la pintura española del siglo XIX.